Le photoréalisme est l'un des objectifs ultimes de nombreux artistes CG, et c'est aussi l'un des plus difficiles à atteindre. Même si vous êtes relativement nouveau dans le domaine de l'infographie 3D, les outils et les techniques de flux de travail d'aujourd'hui rendent le photoréalisme très accessible.
Voici huit techniques pour vous aider à y parvenir:
Biseau, biseau, biseau
Oublier de biseauter ou de chanfreiner les bords est l'une des erreurs les plus courantes commises par les artistes 3D débutants. Il n'y a presque pas de bords tranchants comme des rasoirs dans la nature, et même la plupart des objets fabriqués par l'homme ont une légère rondeur où deux surfaces opposées se rencontrent. Le biseautage aide à faire ressortir les détails et vend vraiment le réalisme de votre modèle en permettant aux bords de capturer correctement les reflets de votre solution d'éclairage.
L'utilisation du biseau (ou de l'outil de chanfrein dans 3ds Max) est l'une des premières choses que vous devez apprendre en tant que modélisateur. Si vous êtes suffisamment novice en 3D pour ne pas savoir comment créer un bord biseauté, il y a de fortes chances que vous puissiez vraiment bénéficier d'un bon didacticiel d'introduction ou même d'un abonnement à une formation.
Apprenez à utiliser le flux de travail linéaire
Même si le workflow linéaire existe depuis des années, c'est toujours une idée déroutante et compliquée pour les débutants.
Le besoin d'un flux de travail linéaire se résume essentiellement au fait que votre moniteur affiche des images dans un espace colorimétrique différent (sRVB) de celui qui est produit par votre moteur de rendu (linéaire). Afin de lutter contre cela, les artistes doivent prendre les mesures nécessaires pour appliquer la correction gamma à un rendu.
Mais le flux de travail linéaire va bien au-delà des simples corrections gamma - il s'agit d'éviter les anciennes techniques et solutions de contournement (dont la plupart sont basées sur des mathématiques obsolètes) et d'évoluer vers de véritables solutions d'éclairage basées sur la physique.
Il y a beaucoup plus à dire sur le workflow linéaire, et heureusement, il a été discuté de manière exhaustive au cours des dernières années. Linear Workflow and Gamma est un site utile pour apprendre la théorie derrière le processus et des liens vers de nombreuses sources, il y a donc beaucoup de lecture à faire. Le flux de travail linéaire dans Maya 2012 est un cours de tuteurs numériques qui traite spécifiquement du flux de travail linéaire dans Maya 2012.
Utiliser les profils de lumière IES pour l'éclairage photométrique
Parallèlement à l'essor du flux de travail linéaire, les artistes 3D (en particulier ceux qui travaillent dans la visualisation architecturale) ont commencé à utiliser des fichiers appelés profils d'éclairage IES pour imiter de manière plus réaliste l'éclairage du monde réel.
Les profils IES ont été créés à l'origine par des fabricants comme General Electric pour quantifier numériquement les données d'éclairage photométrique. Parce que les profils de lumière IES contiennent des informations photométriques précises concernant la forme de la lumière, la luminance et la chute. Les développeurs 3D ont saisi l'opportunité d'ajouter le support IES dans la plupart des principaux packages 3D.
Pourquoi passer des heures à essayer d'imiter l'éclairage du monde réel alors que vous pouvez utiliser un profil IES et avoir la vraie chose ?
CG Arena propose de superbes images pour vous donner une idée de ce à quoi ressemble un profil de lumière IES.
Utiliser la profondeur de champ
Les effets de profondeur de champ (arrière-plan flou) sont l'un des moyens les plus simples d'augmenter le réalisme de vos rendus, car c'est quelque chose que nous associons étroitement à la photographie réelle.
L'utilisation d'une faible profondeur de champ aide à isoler votre sujet et peut améliorer votre composition à pas de géant lorsqu'elle est utilisée dans des situations appropriées. Les effets de profondeur peuvent être calculés au moment du rendu à partir de votre package 3D ou appliqués en post-production à l'aide d'une passe de profondeur z et d'un flou d'objectif dans Photoshop. L'application de l'effet en post est de loin la voie la plus rapide, cependant, la configuration de la profondeur de champ dans votre application principale vous donne plus de contrôle sur l'effet.
Ajouter une abréviation chromatique
Le nom semble compliqué, mais ajouter une aberration chromatique à vos rendus est probablement la technique la plus simple de cette liste.
L'aberration chromatique se produit dans la photographie du monde réel lorsqu'un objectif ne parvient pas à restituer tous les canaux de couleur au même point de convergence. Le phénomène se manifeste par des "franges de couleur", où les bords à contraste élevé présentent un subtil contour rouge ou bleu.
Parce que l'aberration chromatique ne se produit pas naturellement dans l'éclairage CG, les artistes 3D ont développé des moyens de simuler le phénomène en décalant le canal rouge et bleu d'un rendu d'un pixel ou deux dans Photoshop
L'aberration chromatique peut ajouter du réalisme à un rendu, mais elle peut également en nuire lorsque l'effet est exagéré. N'ayez pas peur de l'essayer, mais rappelez-vous que la subtilité est votre meilleure amie.
Utiliser des cartes spéculaires
La plupart des artistes apprennent à utiliser les cartes spéculaires assez tôt, mais cela mérite certainement une mention pour tous ceux qui ne sont pas déjà à bord.
Les cartes spéculaires indiquent à votre moteur de rendu quelles parties de votre modèle doivent avoir une spécularité élevée (brillance) et lesquelles doivent être plus diffuses. L'utilisation de cartes spéculaires augmente le réalisme car avouons-le - la plupart des objets dans la nature n'affichent pas une brillance uniforme, mais lorsque vous laissez la carte spéculaire désactivée, c'est exactement comme cela que votre modèle sera rendu.
Même pour les objets qui ont une brillance relativement uniforme (céramique émaillée, métal poli), vous devez toujours utiliser une carte de spécifications pour aider à faire ressortir les irrégularités de surface des rayures, des coups et des bosses.
Grunge-le
Vous ne voyez pas "l'erreur de perfection" autant qu'aux débuts de l'infographie, mais pour ceux d'entre vous qui ont besoin d'un rappel: n'ayez pas peur d'ajouter de la terre et du sable à vos modèles et textures.
La plupart des objets du monde réel ne sont pas propres et immaculés, donc laisser vos modèles de cette façon peut sembler paresseux et sapera presque certainement votre quête de photo-réalisme. Il ne doit pas seulement s'agir de détails de texture non plus - essayez d'ajouter des fissures et des destructions à grande échelle à certains de vos modèles, surtout si vous travaillez sur des environnements de jeu de style FPS.
Gardez l'idée de non-perfection à l'esprit lorsque vous remplissez vos scènes également. À moins que vous ne recherchiez un rendu de type salle d'exposition architectural très soigné, dispersez naturellement quelques accessoires dans votre scène pour donner à l'espace un aspect habité.
Ajouter une asymétrie
La possibilité d'activer la symétrie lors de la modélisation ou de la sculpture d'un personnage est un grand luxe - cela signifie qu'en tant que modélistes, nous n'avons qu'à faire la moitié du travail et nous n'avons jamais à nous soucier qu'un œil soit plus grand que l'autre, ou s'assurer que la pommette gauche s'aligne avec la droite (vous savez, ces problèmes embêtants qui troublent les peintres et sculpteurs traditionnels).
Mais quand vient le temps de faire une dernière passe détaillée et de poser votre modèle, c'est une bonne idée de désactiver la symétrie et d'ajouter une sorte de variance asymétrique à votre personnage.
Qu'il s'agisse de la pose, du costume ou des détails de texture, l'asymétrie rendra vos modèles plus réalistes et il y a de fortes chances que vous obteniez une image finale plus dynamique et réussie.
